Take Root Festival 2026 – 07.11.2026 – Groningen, De Oosterpoort

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Eine zumindest für die Zuschauer erfreuliche Entwicklung gab es bei der diesjährigen Ausgabe des Take Root Festivals im niederländischen Groningen zu beobachten: Es war nämlich nicht so überlaufen wie die letztjährige Edition, sodass es nun möglich war, alle der insgesamt sechs Spielstätten zu erreichen, ohne stundenlang in Warteschlangen darauf hoffen zu müssen, dass der eine oder andere Zuschauer die kleineren Venues (Attic, Basement und Binnenzaal) vorzeitig verlassen würde, um Platz für Nachrücker zu machen.

Am musikalischen Programm kann es nicht gelegen haben, dass dieses Mal weniger Besucher den Weg in den Oosterpoort-Komplex gefunden hatten, denn unter dem Motto „Past, Present & Upcoming American Music“ hatten die Veranstalter auch dieses Jahr wieder ein attraktives Programm für Freunde von Americana-Sounds (die nach wie vor nicht ausschließlich aus den USA kommen müssen) aller Art zusammengestellt. Wie üblich spielten die „Headliner“ Eli ‚Paperboy’ Reed, Willow Avalon und American Aquarium dabei im Grote Zaal – einer großen Konzerthalle mit Arena-Feeling –, sodass die eher abenteuerlustig geprägten Musikfreunde sich auf die Entdeckungstour durch die kleineren Spielstätten machen konnten, um dann auch Acts zu finden, die (noch) keinen großen Namen haben oder die musikalisch etwas links der Mitte agieren und keine klassischen Country-, Folk- oder Bluegrass-Formate im Angebot haben.

Los ging das eintägige Festival wie gewohnt um 16 Uhr an drei Spielstätten parallel – nur in diesem Jahr eben viel entspannter als in den letzten Jahren. Während sich der knorrige Songwriter Otis Gibb im kleinen Saal Handy- und Fotoaufnahmen ausdrücklich verbat, machte sich im Foyer die englische Band Birds Flying Backwards bereit, die Songs ihres Debütalbums „Lovebirds“ zu präsentieren, das sich das Sextett in den Londoner Abbey Road Studios hatte abmischen lassen (eine unter Americana-Acts heutzutage gerne genutzte Möglichkeit, den warmen analogen Studio-Sound auch für die eigenen Aufnahmen nutzen zu können – auch wenn die Sachen an anderer Stelle eingespielt wurden).

Im Prinzip agieren Birds Flying Backwards mit einem musikalischen Setting, das ihre kanadischen Kollegen von The Band in den 60ern etabliert hatten. Insbesondere die Aufgabenteilung zwischen Keyboards, Gitarre, wechselnden Lead-Vocals (in dem Fall zwischen Frontmann/Songwriter Joe Russell-Sanders und Vokalistin India Vingoe) und mehrstimmigem Harmonie-Gesang standen dabei im Blickpunkt. Während sich die Band auf eine Reihe erstklassiger Songs verlassen kann (die übrigens auch musikalisch im Programm von The Band nicht untergegangen wären), litt die Live-Show dann unter einem unglücklich positionierten Sound-Design. Je nachdem, wo man sich als Zuschauer aufhielt, waren die Keyboards kaum zu hören bzw. wurde der Sound von der viel zu laut und scharf eingepegelten Gitarre von Alex Chalstray dominiert, während Joe Russell-Sanders Mühe hatte, sich gesanglich Gehör zu verschaffen, und India Vingoe offensichtlich Schwierigkeiten hatte, ihre Bemühungen mit jenen der anderen Musiker in Einklang zu bringen – sowohl was verpasste Einsätze als auch die tonale Abstimmung betreffend. Letztlich wurde dann wohl versucht, die fehlende Connection der einzelnen Bestandteile durch Rock-Drive zu kompensieren – was aber nicht so recht funktionierte, da Birds Flying Backwards eben keine Rockband sind und Alex Chalstrays trockener Gitarrensound auch nicht gerade zum Mitswingen anregte. Am Ende stand dann die Erkenntnis, dass die Band ihr zweifelsohne vorhandenes Potenzial unter den gegebenen Umständen nicht vollständig ausschöpfen konnte.

Etwas besser gelang das anschließend im großen Saal dem amerikanischen Oldschool-Soul-Rocker Eli „Paperboy“ Reed und seiner mit einer Bläsersektion angereicherten Band, die keine Mühe hatten, das Publikum mit ihrer munter pulsierenden Memphis/Stax-Soul-Melange mitzunehmen. Als sich z.B. alle Musiker klatschend am Bühnenrand versammelten, um das Publikum zu animieren, hatte die Sache fast schon etwas von einer dieser US-typischen Megachurch-Gospel-Events – nur dass Reed mit Hallelujah-Patriotismus nicht viel am Hut hat und seine Musik mit großer Ernsthaftigkeit ganz im Sinne der Altvorderen zelebriert. Sein 2019er Album „99 Cent Dreams“ entstand etwa im Sam-Philips-Recording-Studio, und auf seinem 2022er Album „Down Every Road“ zollte er der Country-Outlaw-Legende Merle Haggard Tribut – mit einem originären Retro-Soul-Sound, der auch in Groningen erstaunlich authentisch zum Tragen kam. Mit der Partymusik, die mit dieser Art von Musik oft assoziiert wird, hatte diese Show jedenfalls nichts gemein.

Die kanadische Songwriterin Abigail Lapell präsentierte derweil in der Singer/Songwriter-Venue Attic zusammen mit ihrer Geigerin Songs ihres im Mai dieses Jahres erschienenen aktuellen Albums „Shadow Child“ in einem puristischen Folk-Setting. Der Titel des Albums „Shadow Child“ bezieht sich dabei darauf, dass Abigail zum Zeitpunkt der Aufnahmen mit ihrem ersten Kind schwanger war, das sie zu diesem Zeitpunkt nur als „Schattenkind“ von den Ultraschallaufnahmen kannte. Inzwischen ist die kleine Tochter aber geboren und begleitete die Mama auf der Tour. Abigail präsentierte ihr Material also im ursprünglichen Zustand ohne Schnickschnack – wobei besonders der Harmoniegesang unter die Haut ging. Das war insofern von Interesse, als dass die Studioaufnahmen mit größerem Besteck in einer Kirche im heimatlichen Toronto eingespielt worden waren. Im nächsten Juni wird Abigail Lapell mit ihrer Band erneut in Europa auf Tour gehen und dabei auch in Deutschland auftreten.

Im Binnenzaal war derweil die australische Songwriterin Grace Cummings damit beschäftigt, zusammen mit ihrer Band die zahlreichen Instrumente (zu denen neben verschiedenen Gitarren und Keyboards auch ein von Miles Brown gespieltes Theremin gehört) miteinander in Einklang zu bringen. Die Sache ist dabei die: Wer sich mit Grace Cummings beschäftigt, der weiß nie, was genau passieren wird. Das liegt daran, dass Grace selbst das auch nicht genau weiß, da sie freimütig einräumt, vollkommen unberechenbar zu sein, und Impulsivität auf jeden Fall Vorrang vor Masterplänen oder Formaten hat.

In dem Fall war es dann zum Beispiel ein druckvoller Indie-Rock-Sound mit vielen Jam- und Impro-Passagen, den sich Grace Cummings als Sprungbasis auserkoren hatte. Das Set begann zum Beispiel mit einer feedbackgetränkten, abrasiven Rock-Version des Tracks „Heaven“ von Graces Album „Storm Queen“ – das die Kritik weiland als „Folk-Album“ klassifiziert hatte (als noch nicht klar war, dass sich Grace Cummings stilistisch künftig nicht zu fassen sein würde). Und so ging das dann munter weiter: Mit den Studioversionen hatten die Songs dann nur noch den Titel gemein. Das galt sowohl für die älteren Tracks wie „Ramona“ als auch für die neuen Songs vom Album „Bloodhorse“, und selbst als Grace im Mittelteil ihre „versöhnlicheren“ Titel wie das auf der LP dreampoppige „I’m Not Crazy“ oder den „Bloodhorse“-Titeltrack anstimmte, geschah das immer noch mit viel kanalisierter musikalischer Wut im Bauch – die Grace dann zuweilen auch mit expressiven Drohgebärden und Grimassen untermalte. Versöhnlich war da wirklich gar nichts mehr – eher schon archaisch. Übrigens: Mit Americana hatte dieses Konzert nun wirklich gar nichts zu tun – und das war dann ja auch mal ganz schön, denn gerade die Show ragte in besonderer Weise aus dem Angebot hervor.

Auch nicht so ganz einfach stilistisch zu fassen – wenngleich etwas zugänglicher – war dann das, was die Weird-Folk-Aspirantin Angela Autumn im Attic-Club präsentierte. Angela präsentierte ihr Material in einem frugalen Solo-Setting – was der anarchistischen Ader, die ihren Studio-Produktionen innewohnt, den subversiven Lyrics und der mit kieksender Mädchenstimme vorgetragenen, nervös/überkandidelten Präsentation ihres Materials dann vielleicht etwas von ihrer Schärfe nahm. Aber hey: Wir waren ja auch bei einem Americana-Festival – und da darf es dann auch schon mal etwas gesitteter zugehen. Für einige dürfte der Stil Angelas immer noch zu quirky gewesen sein, aber die Qualität ihres Materials kam eigentlich so gut zur Geltung.

Für viele sicherlich ein Highlight dürfte der Auftritt von Willow Avalon und ihrer Band im großen Saal gewesen sein. Die Tochter des Songwriters Jim White hat im Laufe der letzten Jahre eine kometenhafte Karriere als Left-Field-Country-Künstlerin hingelegt und ist mit einem Major-Deal in die vorderste Reihe der angesagten Genre-Superstars aufgerückt. So kann sie es sich heute leisten, im Madison Square Garden aufzutreten oder beispielsweise mit Jason Isbell das Duett „Cardinal Sin“ aufzunehmen (das in Groningen natürlich ohne Isbell aufgeführt wurde). Tatsächlich stehen bei Willow Avalon aber gar nicht die zugegebenermaßen amüsanten und clever komponierten Country-Songs im Vordergrund (die auf der aktuellen LP „Pink Pocket Pistol“ ein Pop-Upgrade erfahren haben), sondern Willow Avalon selbst – bzw. die Geschichten, die sie mit oder ohne ihre Songs zum Besten gibt – und dabei so ziemlich alle Klischees, die der Country-Musik inne wohnen, selbstironisch durch den Kakao zieht. Obwohl: So selbstironisch klingen Ansagen wie „Früher habe ich mich noch nicht für materielle Dinge interessiert – heute aber schon“ dann auch wieder nicht. Willows Show gehörte zweifelsohne zu den kurzweiligsten und unterhaltsamsten des ganzen Festivals – jedenfalls für die, die ihrem redegewandten Wortschwall im emanzipatorischen Southern Drawl folgen konnten. Dabei haben Männer eigentlich nichts zu lachen, denn die gehören bei Willow Avalon bestenfalls zur notwendigen Staffage für ihre Empowerment-Anekdoten und -Moritaten – sowie natürlich die Songs selbst.

Im Attic-Club hatte sich derweil die englische Songwriterin Jade Bird eingefunden, die zwar nominell als Folk-Künstlerin in London gestartet war, aber seit jeher ein Herz für die US-amerikanische Musikszene gezeigt hatte – und heutzutage ihre Songs dann auch schon mal mit Country-Touch präsentiert. Neben Stücken ihres kommenden vierten Albums (dessen Songs zwar schon geschrieben sind, das aber noch seiner Vollendung harrt) und einigen Rückgriffen auf ihr älteres Material gab es dann auch eine Coverversion von Johnny Cashs „I’ve Been Everywhere“. Mit diesem Song – wie auch dem brillanten neuen Track „My Heart Is A Wheel“ thematisierte Jade Bird die Sorgen und Nöte eines Lebens „On The Road“ – in dem nicht immer so viel Zeit für Muße und die Liebe bleibt. Jade Birds Vortrag wurde mehrfach unterbrochen von unglaublich lauten, kieksenden Lachern, die so intensiv waren, dass sie sich genötigt sah, darauf hinzuweisen, dass sie keineswegs high oder besoffen sei, sondern dass diese ihrer ungezügelten Frohnatur geschuldet seien (die sie schließlich auch zu der Performerin gemacht hat, die sie heute ist.)

Mit American Aquarium hatten die Macher des Take Root Festivals ein echtes Schwergewicht der aktuellen Männerschmerz-Roots-Rock-Szene an Land gezogen. Bandleader und Frontmann B.J. Barham machte seinem Ruf als derzeit begnadetester Bruce-Springsteen-Apostel alle Ehre und präsentierte zusammen mit der elegant agierenden Band sein Material mit aufrichtiger amerikanischer Bodenständigkeit. Wie sein Vorbild gelingt es Barham dabei, Persönliches (wie z.B. die Geschichte über die Happy Songs, die ihn glücklich machen) mit politischen Akzenten zu mischen (er hielt mit seiner Freude über den Sieg der Demokraten bei den Midterm-Wahlen jedenfalls nicht hinter dem Berg) und dabei auch als Entertainer und Vortänzer das Publikum einzunehmen. Dass die Jungs dabei auf das ausgezeichnete Songmaterial ihres aktuellen Albums „New Ways To Lose“ zurückgreifen konnten (mit dessen pulsierendem Opener „Dollar General“ die Show dann auch eröffnet wurde), machte sich dann natürlich förderlich bemerkbar und tröstete etwas über den Umstand hinweg, dass American Aquarium so wenig Ehrgeiz entwickelt, eine wirklich eigene musikalische Identität zu entwickeln.

Auch die aus Minnesota stammende Bluegrass-Combo Pert Near Sandstone erweckte bei ihrem abschließenden Gig im Binnenzaal den Eindruck, nicht ganz unglücklich über den Wahlausgang in ihrer Heimat zu sein, und nutzte die Gelegenheit, zusammen mit den begeisterten Zuschauern eine Art verspäteter musikalischer Wahlparty zu feiern. Dabei waren sie kaum zu bremsen: Bereits während des Soundchecks, zu dem sich ein paar Hardcore-Fans schon vor der Bühne versammelt hatten, gab es eine kleine Jam-Session, und die eigentliche Show startete bereits eine Viertelstunde vor der angekündigten Zeit.

Der Umstand, dass der hauptamtliche Fiddle-Spieler Chris Forsberg, der sich mit Multiinstrumentalist Nate Snipe in der Vergangenheit stets heißblütige „Duelle“ geliefert hatte, augenscheinlich ausgestiegen ist, machte sich höchstens dadurch bemerkbar, dass auf der Bühne noch mehr umtriebiges Miteinander herrschte als zuvor (da Nate nun eben neben Mandoline und Pedal Steel auch noch die Geigenparts von Chris übernehmen musste). Da hielt es niemand an seinem Platz, und ständig gruppierten sich die Herren um die verschiedenen Gesangsmikros, um sich den Gesang zu teilen. Lediglich Kevin Kniebel agierte als Banjo spielender Lead-Vocalist als eine Art Ruhepol. Die unbändige Energie, mit der sich die Jungs ins Geschehen stürzen, überrascht dabei dennoch immer wieder – auch wenn man das gern gespielte Repertoire schon kennt.

Im Foyer gab es dann noch eine eher ungewöhnliche Abschlussparty der besonderen Art, denn die aus Seattle stammende Funk- & Soul-Band True Loves (die sich auf der Website als „#1 Hit Makers“ bezeichnet) hat zwar eine dreiköpfige Bläser-Sektion zu bieten – kommt aber ohne Gesang aus. Die Dynamik entwickelt sich dabei aus der Kombination der aus Drummer David McGraw und Bassist Bryant Moore bestehenden extra-tighten Rhythmusgruppe (die dankenswerterweise gar nicht so funky agiert, wie das das Programm eigentlich vorsieht), dem virtuosen, messerscharfen Gitarrenspiel von Bandgründer Jimmy James und jenem der dreiköpfigen Bläsertruppe, die bemerkenswerterweise auf einen Trompeter verzichtet. Das führt dann zu einem knackigen Klangbild, das den Live-Sound der True Loves prägt, ohne dass dabei Disco- oder eben Funk-Klischees bemüht werden müssen. Das Experiment, das Festival an dieser Stelle mit einer eher atypischen Danceparty ausklingen zu lassen, funktionierte dann recht gut – zumal nicht die Gefahr bestand, dass die Sache irgendwie hätte ausarten können, da der Kehraus vor Ort nach Programmschluss gegen Mitternacht recht zügig betrieben wird.

Fazit: Aufgrund dessen, dass es in diesem Jahr die ganz großen Namen im Line-Up – nun ja, nicht fehlten, sondern schlicht nicht vorhanden waren – und weil sich eben weniger Fans auf die verschiedenen Spielstätten verteilten, war der Besuch des Take Root 2026 eine vergleichsweise entspannte Angelegenheit und bot für Interessierte demzufolge auch wieder die Möglichkeit, verschiedene musikalische Angebote in Anspruch zu nehmen, anstatt in den Warteschlangen darauf hoffen zu müssen, nur ein paar ausgesuchte Shows anschauen zu können. Und mit der Einbindung von Wildcard-Acts wie z.B. Grace Cummings oder Zoh Amba erwies sich in diesem Sinne als förderlich und wurde vom Publikum auch gerne in Anspruch genommen. Gerade so etwas ist ja der Witz bei einem Eintagesfestival, bei dem es unmöglich ist, alle Acts in Augenschein bzw. Ohrenschein zu nehmen. Das darf dann gerne im nächsten Jahr wieder so weitergehen.